"De cuentos, historias y mitos de juventud" Sobre Juventud americana de Ases Falsos PARTE II

Luego es el turno de "Aguanieve" un tema bueno y curioso cuya letra (aparentemente) es sacada literalmente de un texto de los orígenes de la religión musulmana. Y cuándo digo literalmente es eso, literal, porque la letra es calcada al manuscrito que curiosamente logré encontrar. No sé si Briceño habrá hablado sobre esto en alguna ocasión pero si es así como pienso que es, encuentro que es una idea interesante.

Ya casi terminando el disco nos encontramos con el tema "Quemando", donde se ocupa mucha distorsión generando un sonido bastante envolvente. Es un buen tema pero se queda solamente en eso, en algo bueno sin muchos remates.

"Estudiar y trabajar" sigue la lógica de "No quiero que estés conmigo" pero avocado a un tema social y personal. No es un mal tema sin embargo encuentro que a estas alturas las canciones adolecen de una falta primordial: Algún sonido o arreglo que remate las canciones, puede ser esta apreciación obviamente algo bastante personal, pero en general el sonido del disco suele ser algo plano y uniforme. Quizás fue intencional o quizás no, pero a comentario personal, falta ese "toque" al disco que pueda revolverte la cabeza, aspecto que si logra la letra pero no tanto la música.

Por último tenemos el tema denominado "La sinceridad del cosmos", canción con un toque animalista que refleja además los temas sociales del momento. Es una buena idea de canción, pero como ocurre a lo largo de gran parte del disco, finalmente se desgasta entre acordes que si bien están bien logrados, no logran ya convencer o impactar del todo.

En síntesis el disco, como dijeron por ahí, no es malo, pero tampoco es tan bueno como algunos pregonan. Siento que la idea es buena pero la formula se desgasta si no existe una manera dúctil de plasmarla. Sobre las letras (que es lo mejor logrado del disco) no tengo mucho que decir, puesto que a mi gusto están bien construidas y enfocadas, es más bien el toque instrumental lo que falta, tampoco es que no lo tengan, pero siento que deberían pulirlo aun más para no quedarnos en el disco "simpático" que casi alcanzo notoriedad. Buen disco para escucharlo un rato, recordar algunos temas de vez en cuando y finalmente ser olvidado por el tiempo. 

Espero equivocarme o que finalmente Ases Falsos termine callándome la boca (aun no he escuchado la placa más reciente "Conducción"), pero en definitiva tampoco es una critica destructiva, es simplemente intentar sopesar según mis criterios subjetivos, una apreciación que intenta alcanzar algo de objetividad. En definitiva escúchelo usted mismo, con la mente y los oídos bien abiertos, a la larga cada quién vive una historia, una juventud y una creación mítica propia pero también es bueno de vez en cuando.dar el punto sobre las íes,

"De cuentos, historias y mitos de juventud" Sobre Juventud americana de Ases Falsos

Mucho se ha hablado de Ases Falsos ya, unos agradeciendo su aparición casi como una revelación divina y otros abucheandolos y vilipendiandolos a más no poder. Yo pienso que más que ponerlos en un podio o derogar que son más del montón, quiero colocarlos en su justo lugar en la gran gama de artistas emergentes chilenos que están apareciendo. Para adelantarles algo de mi juicio diré que evidentemente no es la gran banda revelación, pero tampoco digamos que son basura. Creo que ellos si pueden aportar mucho, y el disco que analizaré ahora será una prueba de ello.

Juventud americana que se nota ambicioso, es el disco debut de la banda encabezada por Cristobal Briceño ex Fother Muckers (aunque a decir verdad casi toda la banda Ases Falsos fue Fother Muckers pero dado que un integrante se retiró, se reinventaron como Ases Falsos). El disco tiene temas de ritmos y armonías variadas pero con cierto hilo conductor que lo conforma más que el sonido, las letras. De hecho lo que más me llamó la atención fueron las líricas evocadas correctamente al contexto del nombre del disco. Inspiraciones casi narrativas que dan cuenta de una habilidad natural para escribir letras con un toque melodramático (en el buen sentido de la palabra).

Muchas imágenes pueden pasar por las letras, pero si tenemos malas melodías por lo general todo queda hecho un bodrio, aspecto que no ocurre del todo aquí, pues el trabajo en Juventud americana es digamoslo así, pulcro. Tampoco es para asombrarse en demasía, pero las canciones cumplen su cometido. El primer tema ya atestigua algo de eso (aunque a mi parecer es un tema más bien atemporal del disco, que recibe sus raíces creo, de su pasado Fother Muckers) este tema se llama "Misterios del Perú" y es una entrada atrevida dentro de lo que podemos encontrar en Ases Falsos. guitarras psicodelicas y distorsionadas marcan el panorama aquí.

Luego viene "Salto alto", el mejor tema del disco a mi parecer. Con melodía fantasmagórica auspiciada por las guitarras y el teclado y una letra sumamente sugerente, la mencionada canción no viene con aspavientos y nos demuestra la capacidad de Ases Falsos para diseñar contextos a partir de melodías estimulantes.

"Pacifico" es uno de los temas singles del disco, el cuál demuestra más que nada la potencia compositiva y en directo de la banda. Es un tema bien "oreja" a gusto de la mayoría de la gente. Sigamos...

"Séptimo cielo" es una canción interesante que habla en cierta forma del Bullying o algo así (lo digo simplemente por el hecho que relata). Es una canción buena y pega fuerte para quien lo escucha, no hay mayor complejidad en su composición.

"Venir es fácil" trata sobre la población afroamericana que viene precisamente de África a nuestro país. Es un tema peculiar, mucho más electrónico que los anteriores, que representa el paso a la primera mitad del disco. Un tema interesante que se queda en eso, creo yo al menos.

"Golfo de Adén" posee una letra peculiar en sintonía con la guerra y sus tópicos cómunes, donde una persona se encuentra lejos de su país natal. Es un buen tema con guitarras distorsionadas nuevamente y toques electrónicos cómo la batería. 

"No quiero que estés conmigo" es un tema cercano a un Punk-Rock, que en realidad lo encuentro simplemente un relleno. Baterías y guitarras bien marcadas y cambios de ritmo dominan este tema.

"Fuerza especial" es un tema con bastante verborrea y además pegadiza, cumple bien su función como tema pop-rock y es la canción más larga del disco. Es un tema bastante recordable sobre todo por su letra y el manejo especial de los instrumentos, es un punto fuerte del disco.

"Manantial" ya es una propuesta algo diferente, con un ritmo lento y bien marcado y guitarras distorsionadas, es un tema que genera un ambiente opresivo y a la vez de tranquilidad. Es un buenísimo tema, también representa una de las mejores dentro del disco.

"Europa" emula más o menos lo que hacían Los Prisioneros en los ochenta pero, a mi parecer, de una manera más burda. Es un tema regular que no sobresale mucho a no ser por ciertas frases provocativas (Como dije al estilo de Los Prisioneros) pero aun así dentro de la composición no es un tema que sobresalga.

"La flor de Jazmín" es un tema con una letra buena (lo que ya va siendo una constante en el disco) que mezcla un sentido pop-rock con toque personal bien orientalizado (afín a lo que evoca la letra). Ya estas alturas podemos decir que Briceño es un vocalista-letrista de los mejores en Chile actualmente, si lo reunimos con otros letristas de estilo narrativo, pues pocos hay dentro de este estilo (las canciones más "románticas" de Jorge Gonzalez sería un buen ejemplo de letra narrativa, aunque Briceño tiende más a la historia que a las imágenes). En otra entrada hablaré sobre las letras de canciones y los distintos enfoques.

CONTINUA EN LA SIGUIENTE ENTRADA...

Dreampop y Shoegaze... el renacer de la música "etérea"

A quienes conocen este par de estilos musicales sabrán de que va esta entrada. A los que no los conocen, no importa, pues intentaré explicarlos brevemente a continuación:

El género dreampop tiene su raíz a a principios de los 80 fundamentalmente por una banda denominada Cocteau Twins, la cuál inaugura un estilo sin precedentes fundamentalmente gracias a la incorporación de la voz de Elizabeth Frazer y las guitarras distorsionadas con loops y sonidos con mucho reverb (eco) de Robin Guhrie.

La banda tuvo una popularidad reservada a cierto grupo de personas, que degustaban los atrevidos sonidos del pop-rock alternativo de los 80. Sin embargo no llegó a ser masivo ni tampoco muy emulado (al menos en esos tiempos). Sí influenció a un limitado número de bandas que cultivaban sonidos atmosféricos y experimentaciones ad-hoc al momento, lo cuál el sonido fue transformándose hasta llegar a bandas como My Bloody Valentine (banda más explosiva y vinculada al shoegaze) o Beach House en la actualidad.

El dreampop a diferencia del shoegaze, no ocupa distorsiones demasiado extremas ni marcadas. Sí existe un resalte de tonos altos y brillantes, gracias a la ayuda de efectos como el chorus (un efecto eminentemente ochentero) y también junto con el ya mencionado reverb, se nos presenta una música netamente ambiental y calida, a lo cuál va asociada la sensación de "ensueño" (por eso el nombre del estilo "dreampop").

El shoegaze en cambio, toma varios elementos del dreampop pero resalta mucho más la agresividad de las distorsiones y el marcado uso del "delay" (efecto fundamentalmente atmosférico, cuya función básica es "repetir" el sonido) en merma del "chorus", por lo cuál es más fácil encontrar tonos más graves en el shoegaze que en el dreampop. 

Dicho estilo es bastante versátil, y muchas bandas en la actualidad se han dejado influenciar por ella: Sigur ros, Silversun Pickups (que en realidad conjuga ambos estilos, dreampop y shoegaze), algunos pasajes de Godspeed You! Black Emperor!, Radiohead, etc. La banda icono del estilo fue My Bloody Valentine, aunque también podemos achacarles a Slowdive en su difusión.

Tal parece que hoy en día, con el revival de las bandas noventeras como Slowdive, My Bloody Valentine, Ride, Swervedriver, etc. dichos estilos volvieron a tomar respiro en escenarios, lo cuál se agradece bastante dado que fueron movimientos bastante influyentes para la música actual. Si bien mucha gente los conocía, otra cantidad igual de considerable no tenía idea de dichos estilos, por lo que me vi animado a hacerles la presente revisión.

"Red House Painters I (Rollercoaster)": La casa roja llena de poesía...

No seré el primero ni el último en señalar un disco como algo "poético", "sublime" o cualquier apelativo referente a la excelencia en todos los sentidos. La poesía es un arte peculiar, igual que la música, y evidentemente cada cuál tiene sus reglas y delimitaciones materiales y estructurales.

Entonces ¿Por qué unir dos tipos de arte que tienen grandes diferencias en sus medios y quizás en sus fines? El hecho para mi no es casual, elegir ese titulo para este disco en realidad funcionaría para varios de la cosecha de la banda mencionada, Red House Painters, de escasisima difusión en Chile.

El disco a analizar no tiene un nombre en especial, pues en la caratula simplemente se titula "Red House Painters" que es el nombre de la banda, titulo que también maneja el siguiente disco de la banda. Algunos lo titulan Red House Painters I o bien, más popularmente, lo nombran "Rollercoaster" (debido a la imagen que aparece en la caratula y/o a la canción del mismo nombre que se encuentra en el disco). 

Ya en la primera escucha de la canción que abre el disco "Grace Cathedral Park", se escucha notoriamente un cambio, un giro musical que contrasta con los innumerables proyectos musicales existentes en el planeta. Es un sonido enigmático, oscuro, pero que no llega a ser opaco, sino por el contrario, se escucha con una claridad muy peculiar. La voz del guitarrista y rostro principal Mark Kozelek presta un tono suave y clarividente que impacta tanto por la letra como por su interpretación casi uniforme a lo largo de la canción, pero con un sentimiento muy ligado a la profundidad de lo que enuncia. Es notoria también la batería que si bien no presenta un despliegue técnico (en el sentido usual de la palabra, con ejecuciones rápidas y bien definidas) sí lo hace con maestría, pues seguir el ritmo de temas como el que ya mencionábamos o también en "Katy Song" entre otras canciones que componen este disco, no es para nada simple. Un ritmo sincopado con tiempos complejos y suaves otorgan mayor particularidad a la música de Red House Painters.

¿Pero que sería de todos estos elementos, sin la guitarra eléctrica que da el colorido al sonido? Pues efectivamente la guitarra eléctrica nos presenta pasajes altamente memorables, no tanto por sus riffs veloces o agresivos pero sí por su ejecución bien cuidada y por los arreglos peculiares, que, al igual que la batería, definen perfectamente la personalidad única de la banda: Puede transitar desde distorsiones graves y densas, hasta reverberaciones (ecos) cristalinas y uso amplio de efectos que dan tonos interesantes a lo que va haciendo el conjunto en su totalidad. Demás está decir el rol del bajo que también se preocupa de generar el ambiente a veces evocativo, a veces opresivo del disco.

Pero ¿Por qué poesía con música? De sobra se ha hablado en otros medios sobre la capacidad de Mark Kozelek para generar emociones con su música, ya sea por medio de las letras o sus composiciones. Pero es otra cosa a lo que quería llegar sino al resultado de un todo: La batería, el bajo, la voz, o lo que sea que suene en el disco, da la sensación de que estuvieras en otro lugar, otro momento. Pocos discos son capaces de generar eso en una persona y menos en millones que atestiguan como Red House Painters crearon discos únicos en su especie. Cuándo alguien me pide definir esta banda, yo trato de asimilarlo con la música barroca de Bach por ejemplo, que de por sí era bastante contraria a su tiempo, en fin, cuando las palabras sobran es porque precisamente sólo resta escuchar lo que ya se ha nombrado. Canciones como "Mistress", "Take me out" o "Rollercoaster" seguramente quedaran en la memoria de quienes lo escuchen. Sobran palabras, porque precisamente todo lo que hay que escuchar está en el disco.... Poesía y música para recordar.

"Cuéntame una historia original..." Sobre la "originalidad" de las canciones u obras en la música PARTE II

La cuestión sobre la originalidad en el arte ya ha sido ampliamente discutida en filosofía y/o estética, y la verdad es que sería prácticamente imposible que una obra sea totalmente original en el sentido laxo del termino, pues siempre un movimiento u obra que aspira a ser "original" va a apelar consciente o inconscientemente a otro movimiento u obra(s) que le ha precedido. El concepto de "tabula rasa" no puede ser aplicado bajo ningún sentido en el arte.

Aclarando ese asunto, en la práctica, la totalidad de las canciones deben ser "copias" de algo que les ha precedido lo cuál me parece una tesis más acertada respecto de la ingenua "originalidad" que muchos ansiosamente buscan. Aunque bien podemos ver que existe más o menos originalidad en cuánto al "como" se mezclan los diversos elementos ya predispuestos por los artistas. Me explico:

Cuándo apareció el grunge, se alzó como un movimiento bastante novedoso para la época que rompería con la estética ochentera que uniformaba casi todas las radios de aquellos tiempos. El grunge podriamos definirlo como una mezcla entre rock pesado y estilos más dúctiles como el pop-rock o lo que ligeramente se entendía como "rock alternativo" que tendría su base en cambios estructurales en las canciones y en mezclas novedosas pero a la vez "bien intencionadas" respecto a su público (es decir, igualmente tenían un sentido popular y masivo). 

Lo "novedoso" u "original" del grunge era no tanto su apuesta revolucionaria como sí su propuesta de mezclar elementos que parecían disimiles y que a la larga no los eran (cómo sería el rock popular con el rock más pesado). La "originalidad" esta más en la forma en que disponemos elementos que ya se encuentran en la música y no tanto en la creación de algo absolutamente nuevo, que comience la música de "cero" (a esto le corresponde más los cambios a nivel de industria cultural, creo, pero eso es un tema que no tomaré precisamente en esta entrada).

En síntesis pienso que la originalidad radica en que tanto tomamos un elemento y lo transformamos en algo así como "otra cosa", otra percepción a partir de un elemento, pues así como el avance de la historia y la filosofía nos ha demostrado, ya no importa tanto el "que" sino más bien el "como"

Les dejo un par de vídeos que muestra un caso chileno de "cuasi plagio", en mi opinión. ¿Guiño o copia? juzguen ustedes mismos:

"Cuéntame una historia original..." Sobre la "originalidad" de las canciones u obras en la música

Seguramente más de alguna vez has escuchado un tema o canción parecido a otro, con ritmos marcados de igual manera, melodías y hasta voces muy similares. Puede ocurrir de forma sutil o bien de una manera descarada, donde la copia es casi idéntica a la original. 

En el arte es muy difícil demarcar la delgada linea entre la "inspiración" y la "copia", pues evidentemente es imposible desbancarnos de nuestras influencias pues muchas veces actúan de manera inconsciente en nosotros. Cuándo esto llega a asuntos legales se hace más técnico y exiguo aún ver que tan copia es tal canción de la "original", llegando tal discusión muchas veces a ser casi apocalíptica (en términos musicales claro está)

El problema de un arte tan "efímero" y poco "material" cómo la música es que la copia puede ser fácilmente encubierta por "adornos" que hacen de esa canción no una copia fidedigna, sino en cambio, algo así como un "tema basado en..."

Pero aun así la música no se encuentra totalmente absuelta del plagio y variados casos han surgido a raíz de este problema tan vilipendiado en el arte en general (el caso bullado más reciente fue el de una canción de Marvin Gaye "Got to give up" supuestamente copiado por Robin Thicke y Pharrell Williams en su tema "Blurred Lines")

Si bien este es un problema constante que aparece a lo largo de la música popular, los matices han cambiado conforme se va desarrollando la tecnología y se masifica la mezcla y remezcla de temas ya registrados, con el fin de hacer algo propio y "original" (como el caso de cierto tipo de música electrónica, hip-hop, trip-hop, etc.)

Evidentemente hay casos más extremos que otros, al menos en mi opinión hay casos de plagio derechamente, donde el ritmo, la base melódica y los coros son sospechosamente muy similares. Sin embargo pueden haber otros casos donde la guitarra puede ser muy parecida por ejemplo, pero lo que acompaña la canción ha cambiado parcial o totalmente, lo cuál presta algo de "originalidad". Lo cierto es que, también en mi opinión, la originalidad absoluta no existe.

 CONTINUA EN PARTE II...

La masificación músical: ¿Evolución o Involución? PARTE III

Por otra parte la era digital obvia el tema de la calidad de audio, pues se centra más bien en la masificación y difusión. Es por ello que muchos no entienden como algunas personas todavía compran cd's o vinilo o se esmeran por buscar archivos flac o mp3 a 320 kbps. 

Si bien puede parecer un detalle, la apreciación de la música varía mucho en torno al soporte en que está inserto el archivo musical. Un vinilo no sonará igual a un cd, y un cd tampoco a un mp3, pero sea cuál sea tu preferencia, lo más "fidedigno" del trabajo de un artista siempre será aquel soporte que refleje mejor lo que se hizo en el estudio, y en eso el wav (Cd) triunfa por sobre el mp3 indudablemente.

Existe otro detalle más que ha cambiado en la era digital respecto de la era de las grabaciones"análogas", esto es la "mística" que puede generar en menor o mayor grado un artista.  A que voy con esa frase tan rara, pues que la búsqueda de un determinado cd se ha vuelto mucho más cómoda y, por que no decirlo, hasta mecánica, pues ahora sólo basta buscarlo por un programa peer to peer o cualquier página que permita descargar música. Se acabaron las visitas a las disquerias o a lugares lejanos al hogar donde probablemente encontrarías el artista que buscas. El mundo es tu hogar gracias a Internet, punto.

Para finalizar quisiera dar mi opinión más personal respecto de este hecho fundamental de los cambios acelerados que ha producido en la música la era digital. Si bien lo que nos ha otorgado la era digital no es "malo per se" debemos estar atentos a los cambios que esta produce, tanto en la música directamente como en nuestro comportamiento frente a ella. Todos estos avisos no son algo catastrófico ni mucho menos un momento de juicios enervados, pero tampoco podemos recibir todos estos cambios pasivamente. Hay muchas consecuencias dentro de la era digital e informática que producen cambios en nuestro diario vivir y muchas veces no son necesariamente de nuestro consentimiento o deseo.

Sólo es un llamado a estar atentos, no es algo de vida o muerte o algo así, pero si al menos somos conscientes de lo que pasa a nuestro alrededor, se puede comprender a futuro muchos fenómenos sociales que es conveniente denotar.

Les dejo este tema que justamente habla algo sobre ello, se llama "Song of Muzak" de la gran banda Porcupine Tree, con subtitulos para que entiendan más menos de que se trata, saludos :)